생태계는 환경적 균형을 회복하기 위해 상호 작용하는 유기체의 복잡한 시스템입니다. 즉, 생태계의 한 구성 요소가 역할을 다하지 못하면 시스템의 모든 움직이는 부분의 정점을 방해하고 완전히 바꿉니다. 패션 산업의 관점에서 볼 때, 디자이너의 창의적인 표현과 아이디어는 오늘날 우리가 알고 있는 패션의 중요성을 유지하는 데 중요한 열쇠입니다.
왜 그렇게 중요한가? 패션은 단지 옷일 뿐이라고 주장할 수 있지만, 눈에 보이는 것보다 훨씬 더 깊습니다. 우리가 입는 옷은 사실, 우리의 개성을 표현하고 특정한 방식으로 자신을 표현하기 위해 매일 내리는 의식적인 결정입니다. 여기서 우리는 패션계에서 창의성의 중요성을 봅니다. 그것은 혁신, 새로운 아이디어, 그리고 개인의 고유한 정체성을 표현할 수 있는 접근 방식을 제공합니다. 모두 디자이너의 작업의 결과입니다.
오트 쿠튀르 2024 가을 주간을 갓 지나, 런웨이를 장식하는 가장 눈길을 끄는 화려한 디자인이 몇 가지 보였습니다. 시각적으로 멋진 디자인이기는 하지만, 극단주의와 사치는 창의성과 동일하지 않습니다. 따라서 오늘날 패션 업계에서는 새로운 것이 거의 없습니다. 오트 쿠튀르 작품에서도 디자이너들은 풍부한 역사를 가진 시설에 경의를 표하기 위해 하우스의 아카이브를 돌아봅니다. 이러한 방식에는 장점이 있지만, 업계에서 “전에 본 적이 없다” 또는 “혁신적”이라고 설명할 수 있는 디자인을 접하는 빈도는 감소했습니다. 특히 2020년대에 그렇습니다.
이는 재정적 제약, 지속적인 하우스 코드, 유명 패션 하우스에서 발전하려는 디자이너의 욕구와 같은 방해 요소 때문입니다. 극도로 경쟁이 치열한 산업에서 이러한 어려운 좌절은 생태계의 균형을 깨고 창의적인 표현을 방해하는 패션 기계의 톱니바퀴입니다.
더 읽어보세요: 애슬레저의 체계화는 더 이상 관련성이 없습니다.
재정적 제약
젊은 디자이너의 작품이 패션계에서 인정받으려면 비즈니스 통찰력과 창의성 사이에서 균형을 맞춰야 합니다. 디자인이 소비자의 옷장에 들어가려면 제품 디자인 이후에 원단 구매, 제조, 포장, 수출 등 여러 가지 과정을 거쳐야 합니다. 이 모든 과정에는 충분한 재정 자원이 필요합니다. 소비자의 손에 닿을 디자인을 개발하는 과정은 어려운 일이지만, 불행히도 손익분기점에 도달할 수 있는 성공이나 수익을 약속하지는 않습니다.
디자이너의 산업 내 중요성에 기여하는 요소는 브랜드 인지도와 브랜드 정체성에 의해 결정됩니다. 이러한 요소는 디자이너가 잠재 소비자의 확장된 대상 고객에게 다가갈 수 있도록 해줍니다. 따라서 젊은 디자이너는 자신의 이름을 알리고 브랜드를 확립하기 위해 런웨이 쇼를 개최합니다. 런웨이 쇼는 항상 소규모 독립 브랜드의 성공의 특징이었고 산업 성장의 영향력 있는 촉매였습니다. 런웨이 쇼를 출구로 활용하면 브랜드 정체성을 강화하고 산업의 핵심 참여자를 초대하여 브랜드 인지도를 확대할 수 있습니다. 이들은 출판물과 소셜 미디어에서 언론 보도를 통해 브랜드를 홍보하고 마케팅하는 데 도움을 줍니다. 이러한 쇼는 미학을 고수하고 디자이너의 이야기를 묘사하기 위해 세심하게 큐레이션되고 스타일링되므로 판매를 촉진하기 위해 보다 타겟팅된 대상 고객에게 컬렉션을 마케팅하는 데에도 도움이 됩니다.
런웨이 쇼를 개발하고 자금을 조달하는 데는 일반적으로 장소, 모델, 헤어 및 메이크업을 포함한 쇼의 기본 부서를 지불하는 데 최소 6자리 수의 비용이 들고, 유명 이벤트의 수많은 다른 측면도 포함됩니다. 마케팅 및 제조 비용 외에도 이미 현금이 부족한 소규모 기업에는 재정적 영향이 너무 큽니다. 또한 영국에 거주하는 디자이너의 경우 브렉시트로 인해 유럽 내에서 제조 및 수출 비용이 증가하여 재정적 어려움을 극복하기가 기하급수적으로 더 어려워졌다는 점도 주목할 가치가 있습니다. 유명 패션 하우스도 런웨이 쇼를 마케팅 도구로 사용하여 인지도 있는 이름, 유명 슈퍼모델 및 호화로운 장소와 같은 이점을 활용하여 미디어의 주목을 받습니다. 따라서 재정적 제약으로 인해 젊은 디자이너는 유명 패션 하우스만큼 대중의 주목을 끌기 위해 쇼를 개최할 수 없으며, 이로 인해 주목받지 못하게 됩니다. 이로 인해 재정이 부족하고 창의성을 키울 시간이 부족하여 디자인이 인정받지 못하게 됩니다.
더 읽어보세요: 패션 디자이너에서 크리에이티브 디렉터로의 진화
참고 작업
참고 작업은 의심할 여지 없이 패션계에서 중요하며, Business of Fashion은 “역사 연구는 패션계에서 성공적인 경력을 쌓는 데 필수적”이라고 주장하기도 합니다. 보관된 룩에서 영감을 받은 참고 작업은 특히 지속적인 하우스 코드와 풍부한 역사를 보유한 저명한 하우스에서 널리 사용됩니다. Maria Grazia Chiuri, Miuccia Prada, Daniel Roseberry와 같은 디자이너는 참고 디자인을 자주 사용하며, 보관된 컬렉션에서 영감을 받은 창작물을 재작업하여 하우스의 유산을 기리거나 패션계의 상징적 인물에게 경의를 표합니다. 유명 디자이너는 영감을 얻을 수 있는 디자이너와 컬렉션이 무한한 상황에서 영향력 있는 인물에 대한 존경심을 보여주기 위해 참고 작업을 의미 있게 수행합니다. 이는 이러한 인물이 패션의 새로운 길을 어떻게 개척했는지에 대한 구체적인 사례를 보여줌으로써 이루어집니다.
그러나 우리는 업계에 전혀 낯설고 혁신적인 덜 빈번한 창작물을 보고 있습니다. 예를 들어 Christian Dior의 “Junon” 드레스를 살펴보겠습니다. 이 드레스는 원래 1949년에 만들어졌으며 공작 깃털의 아름다움과 모습을 모방한 복잡한 구슬 장식과 자수의 혁신적인 실행으로 유명해졌습니다. 이 드레스는 나중에 Maria Grazia Chiuri가 Dior 홍보대사 Natalie Portman을 위해 리메이크했습니다. 또 다른 주목할 만한 예로 Daniel Roseberry가 2024년 봄 쇼에서 자주 등장한 랍스터 모티브를 통해 Elsa Schiaparelli와 Salvador Dali의 예술성과 창의성에 대한 찬사를 보냈습니다. 이러한 창작물은 예술 작품이지만 새로운 것은 아닙니다. 따라서 디자이너가 패션 선구자로부터 영감을 얻는 것을 좋아하는 것은 오늘날 창의성과 패션계에 대한 새로운 기여를 방해했습니다.
반대로, 집에 새로운 생명을 불어넣고 집의 이미지를 현대화하는 데 신념의 도약을 한 디자이너들이 있습니다. 예를 들어, Bottega Veneta의 Daniel Lee와 Valentino의 Alessandro Michele의 새로운 작품이 있습니다. 이러한 디자이너들은 브랜드 DNA의 독특한 특성을 재작업하고 예술적 감각을 더해 젊은 세대에게 어필하도록 현대화했습니다. 이러한 디자이너들이 집의 필수품을 재작업했다는 점을 감안하면, 이들은 완전한 창의적 자유의 예라고 할 수 있습니다.
부분적으로는 사실이지만, 이러한 사례는 디자이너의 창의적 표현에 지속적인 하우스 코드의 제한적 특성이 부여되는 것을 보는 사례이기도 합니다. 상업적 성공과 타겟 소비자 인구 통계와 같은 기본 요소는 새로운 컬렉션을 만들 때 고려해야 합니다. 따라서 디자이너는 브랜드의 가장 독특한 특징을 구현하고 이러한 목표를 달성하기 위해 확립된 DNA를 부분적으로 고수해야 합니다. 즉, 브랜드 정체성과 지속적인 하우스 코드의 중요성으로 인해 이러한 요소는 동명의 레이블이 없는 재능 있는 디자이너의 창의적 자유와 표현을 제한할 수 있습니다.
더 읽어보세요: 패션과 뷰티 마케팅에서 남성 시선의 발전
초점 이동
유명 패션 하우스에서 일할 때, 성공과 권력은 하우스에 소속된 디자이너에게 패키지 상품으로 제공됩니다. 이러한 브랜드가 확고히 자리 잡았다는 점을 감안할 때, 디자이너가 정량화된 글로벌 성공, 명성 및 이름의 힘을 경험한 단체와 협력하기 위해 우선 순위를 정하고 초점을 옮기는 이유를 이해하는 것이 합리적일까요? 이러한 브랜드가 이름이 즉시 알아볼 수 있는 지점까지 신뢰도가 높아졌기 때문에 특히 매력적입니다. 또한, 업계는 대형 패션 하우스에서 일하는 재능을 즉시 더 진지하게 받아들이는데, 협회가 개인의 지위와 인식을 상당히 높이기 때문입니다.
오늘날 우리가 알고 사랑하는 디자이너 중 일부는 유명 패션 하우스에서 가진 비전에 집중하기 위해 자신의 레이블을 닫거나 떠나기로 했습니다. 크리스 반 아쉐가 자신의 레이블인 KRISVANASSCHE를 닫고 Dior Homme에서 크리에이티브 디렉터로서의 역할에만 집중하고자 하는 욕구를 충족시킨 사례에서 이를 확인할 수 있습니다. 프라다의 공동 크리에이티브 디렉터인 라프 시몬스는 자신의 이름을 딴 브랜드를, 발렌시아가의 뎀나는 베트멍을 맡았는데, 둘 다 유명 패션 하우스에서 자신의 지평을 넓히기 위해 자신의 레이블을 떠나기로 결정했습니다.
이러한 디자이너의 이름을 딴 레이블이 엄청난 성공을 거두었음에도 불구하고, 대형 패션 하우스와 함께 발전하는 데 초점을 맞춘 것은 실제로 업계에서 그들의 지위를 높이고 자신의 아틀리에를 운영하는 데 따르는 스트레스와 과제에서 벗어나게 했습니다. 그럼에도 불구하고, 저명한 하우스에 소속되는 것은 많은 특전이 있지만, 이러한 디자이너는 완전한 창의적 자유를 희생하고 보장된 성장을 우선시하기로 했습니다. 현실은 잘 알려진 하우스 코드와 강력한 디자인 미학을 고수하는 것이 브랜드의 본질과 핵심 가치에 충실하는 데 필수적이라는 것입니다. 반대로, 이러한 요소가 하우스에 이로운 반면, 비공식적인 기준은 디자이너의 진정한 창의적 표현을 방해합니다.
이러한 모든 점을 고려했을 때, 패션 산업의 생태계가 세계 디자이너의 창의적인 표현을 방해하고 재능 있는 젊은 디자이너로 가득 찬 회전문의 진정한 역량을 방해하는 반면, 이것이 산업의 가혹한 현실입니다. 결국, 다른 모든 사람과 마찬가지로 디자이너도 생계를 유지하고 명성을 쌓아야 합니다. 따라서 강력한 하우스 코드를 준수하고 유명한 하우스와의 작업을 우선시하는 것은 경쟁이 치열한 산업에서 경력 발전과 높은 지위를 보장하기 위해 선택하는 합리적인 여정입니다.
숨겨진 재능을 진정으로 받아들이고 젊은 디자이너들의 자기 표현과 창의적 자유를 향한 여정에서 성장을 장려하기 위해 업계는 보조금과 멘토십 등 더 많은 지원 네트워크를 구축하여 재정적 부담을 덜어주고 패션의 미래에 투자해야 합니다.
최신 패션 소식과 출시 소식을 자세히 알아보려면 여기를 클릭하세요.
